„Genauigkeit kommt immer der Schönheit zugute, und richtiges Denken dem zarten Gefühl.“¹ Wie ließe sich Achim Freyers Arbeitsweise und seine künstlerische Position als Maler, Bühnenbildner und Regisseur besser beschreiben als mit den Worten von David Hume. Genauigkeit und Schönheit, Denken und Fühlen – diesen Wörtern gibt er eine programmatische Dichte, füllt sie wie Gefäße mit Optimismus, Dynamik, überbordender Farbigkeit und tiefem antipodischen Schwarz.

Skizzen, aus denen sich Bilder entwickeln können, sind und bleiben die wichtigsten Ergebnisse seiner geistigen Wanderungen. Einem Tagebuch mit den Aufzeichnungen einer Reise ähneln diese Souvenirs. Werden sie mitausgestellt, tritt ihre zeichnerische Dichte mehr und mehr in den Vordergrund. Oftmals gibt Freyer nur mit einem Satz oder einer Alliteration von Chiffren das Gefühl und die Erkenntnis einer Reise wieder. Er gehört zu den Künstlern, die sich selbst nicht als spontan in dem Sinne bezeichnen, als sie Jahre an der Weiterentwicklung der Konzeption ihres Werkes arbeiten.

Sicher kann die Frage aufgeworfen werden, ob das Schöpfen aus dem Privaten innerhalb Freyers Kunst einer Beschränkung gleichkommt. Oder ob gerade diese Rückkoppelung das Entstehen von Kunst möglich macht. Unter diesem Aspekt betrachtet, wird Achim Freyer, ob er es nun will oder nicht, zu einem Vorläufer der ritualisierten Konzept-Kunst, typisch für die 90er Jahre des 20. Jahrhunderts. Deren radikaler Rückzug aufs Private gründet in den Erfahrungen eben auch des Malers Achim Freyer. Francis Picabia habe, so erzählt er in einem Interview, einmal den Satz gesagt: „Du kannst dich noch so sehr bemühen modern zu sein, es ist das einzige, was du nicht vermeiden kannst zu sein.“²

Freyers Landschaften mit all ihren Köpfen und strukturierten Ebenen haben beispielsweise mit einem Video von Pipilotti Rist, das eine Reise in die Abgründe ihrer Körperöffnungen zum Thema hat, mehr zu tun als auf den ersten Blick ersichtlich wäre. Beide machen Privates, ja Intimes öffentlich. Erheben das private Moment zur formalen Ikone. Sinne und Körper des Künstlers werden zu Mittlern zwischen menschlicher und tatsächlicher Natur, der inneren und äußeren Landschaft und demjenigen, der den Raum der Kunst, den white cube betritt. Die großformatigen Bilder, die als Freyers Subsumierung an den Wänden hängen, erscheinen oft als surreale Interieurs. In diesen Chiffren wird das Staunen vor den Phänomenen eines menschlichen Lebens und Erlebens einmal mehr abgebildet.

Achim Freyer wurde von der Welt der Bildenden Künste erst relativ spät bemerkt. Obwohl er seit den 60er Jahren regelmäßig in der damaligen DDR sowie nach seiner Ausreise in der Bundesrepublik Deutschland ausstellte und an der documenta 6 (1977) und 8 (1987) teilnahm. Seine auf den ersten Blick spröde Kunst fand ihr Publikum, gerade weil sie auf jede Anteilnahme verzichtete und den Betrachter radikal auf sich und seine eigenen Empfindungen und Erinnerungen zurückwarf.

Aus dem Katalogtext „Der gestreckte Blick“ von Anne Maier
¹ David Hume, zit. in: Theodor W. Adorno, Minima Moralia, Frankfurt am Main 1997, S. 43
² Achim Freyer in einem Interview mit der Autorin im Dezember 1999